miércoles, 5 de septiembre de 2012

MÚSICA PARA UNO: Leopoldo La Rosa y los orígenes de la música experimental en el Perú

MÚSICA PARA UNO Leopoldo La Rosa y los orígenes de la música experimental en el Perú

Por Luis Alvarado
(Publicado en revista Hueso Húmero N° 59  Junio 2012)

Juan Hidalgo, Leopoldo La Rosa, Walter Marchetti y John Cage

En 1999 el sello discográfico italiano Alga Marghen, publicó un disco llamado Rumori alla Rotonda, que incluía piezas en vivo de John Cage, Juan Hidalgo, Morton Feldman, Leopoldo La Rosa y Walter Marchetti. Se trataba de la grabación entera de un histórico concierto de 1959, realizado en la Rotonda del Pellegrini, en Milán, Italia, y que veía por primera vez la luz pública. Sorpresivamente el nombre del peruano La Rosa, se hacía de un humilde espacio, como pionero, en la vanguardia musical internacional. Hubo que esperar algún tiempo para que algunas copias lleguen a Lima. El propio Leopoldo se enteró de la existencia de dicho álbum por el compositor Alejandro Núñez Allauca (radicado en Roma) y fue él quien le hizo llegar un disco y lo puso en contacto con Gabrielle Bonomo, responsable de la publicación.

martes, 29 de mayo de 2012

ENCUENTRO DE DOS MUNDOS: EDGAR VALCÁRCEL Y LA NUEVA MÚSICA EN EL PERÚ



ENCUENTRO DE DOS MUNDOS: EDGAR VALCÁRCEL Y LA NUEVA MÚSICA EN EL PERÚ

Publicado en Hueso Húmero N°55 – Junio 2010 – Lima-Perú

Por Luis Alvarado

Aún cuando podamos afirmar lo penosa e ingrata que ha sido la relación de los compositores peruanos de música culta con su entorno, no podemos negar que la carrera del puneño Edgar Valcárcel ha sido una de las más aplaudidas y celebradas. Valcárcel ha sido (junto con Celso Garrido-Lecca) uno los compositores peruanos más exitosos de su generación, uno de los más prolíficos, más homenajeados, más nombrados. Y sin embargo su obra se ha mantenido como un secreto, inédita y sólo accesible cuando cada muerte de obispo alguien se animaba a interpretarla en Lima. Una contradicción que quizá sea uno de los rasgos que más defina la composición erudita nacional. Por si fuera poco, recién a sus 75 años, y como parte de un homenaje que le dedicó el Centro Cultural de España en Lima, pudo ver finalmente editado un disco compacto con sus composiciones.

martes, 20 de marzo de 2012

Review - Airway/Hijokaidan (2010)



Airway / Hijokaidan
Split
Harbinger Sound
2010

El The Lowest form of Music fue un evento que se realizó en Londres a mediados del 2010 como homenaje al influyente colectivo californiano Los Angeles Free Music Society (LAFMS), de donde emergieron bandas como Smegma, Doo-Dooettes y Airway. Cruciales en el desarrollo de la DIY Culture. Y además un importante eslabón entre la improvisación, los jams, al punk y al noise. Airway es una de las bandas icono del LAFMS y predecesora en sonido y actitud con los padres del noise japonés, Hijokaidan. Este Split ha sido editado por el sello Harbinger Sound, que también tiene en su catálogo un célebre e insuperable concierto de los Airway de 1978, y por si fuera poco Harbinger Sound es propiedad del inglés Steve Underwood, editor junto a Chris Sienko, de la reconocida revista dedicada al noise As Loud As Possible. De ahí que este Split tenga el aureola de básico para todos los noise kids que quieran investigar en las fuentes originales del ruido. Divido en dos tracks, grabados en vivo, este disco que sólo ha visto la luz en edición de vinilo, hace ver las similitudes y diferencias entre uno y otro grupo. Airway parte, como los otros grupos del LAFMS de las sonoridades de Frank Zappa y Captain Beefheart, como del free jazz a secas, y tiene elementos rítmicos marcados (hay que decir que son bandas de rock que llevan el asunto al límite) que le dan un aire festivo, casi de circo, con tratamientos vocales de falsete lleno de excitación, que sin duda mucho pueden haber alimentado a grupos japoneses como Boredoms. Hijokaidan por su parte hizo nacer un sonido nuevo que lo ha distinguido, un tono de ruido que tiene su antecedente en el Metal Machine Music de Lou Reed, en la no music de Nihilist Spasm Band o en muchas prácticas sonoras del mundo del arte. Pero ese tono de ruido aparece, en calidad de fundador, revestido de improvisación y free jazz. El salvajismo sonoro de Hijokaidan queda plasmado aquí en la necedad de la ejecución, hasta dónde es posible mantener la intensidad del sonido. Y en eso radica la diferencia con Airway, quienes aquí además no hacen tanta gala de esa espumosa agresividad guitarrística de estirpe psicodélica que los caracterizara antaño (su elemento noise). Mientras que en Airway los valores son rítmicos, de desarrollo, en Hijokaidan, como buenos padres del harsh noise, el asunto es de fuerza, cuánto más fuerte se puede tocar: ahí está el big bang para el noise. Este Split nos deja claro el salto entre un mundo y otro. Mención aparte la participación de John Duncan en Airway, hoy uno de los grandes del ambient y de Toshiji Mikawa en Hijokaidan, miembro de los fundamentales ruidistas japoneses Incapacitans.(Luis Alvarado)

Review: Magdalena Solis - Hesperia (2011)



Magdalena Solis
Hesperia
Diying For Bad Music
2011


Los belgas de Magdalena Solis se han convertido en uno de los grupos favoritos de quien esto escribe y, me animo a decir, en uno de los mejores proyectos surgidos del underground belga actual. El misterioso dúo se ha hecho conocido a través de facebook y bandcamp, de hecho en esta última plataforma on line es posible escuchar sus dos discos publicados hasta ahora: Lady of the wild Time (2010) y este Hesperia. Como parece ser el sello que identifica a mucho del underground belga de estos días, vamos a decir, una experimentación psicodélica totalmente desquiciada, aunque no por lo ruidoso sino por lo excéntricas de sus ideas (presta atención a sellos como Ultra Eczema, Funeral Folk o Sloow Tapes), Magdalena Solis crea extrañas bandas de sonido que cruzan la psicodelia, sonoridades orientales, algo de gótico, y todo con la vehemencia lisérgica propia de los grupos psicodélicos que inventaron el drone rock (Faust, Parsön Sound, etc). Este Hesperia (en la mitología griega el nombre de una ninfa guardiana de un jardín) resulta mucho más introspectivo, más disipado, a diferencia, del expresionismo psicodélico de su álbum debut. Por momentos viene a la mente el trabajo de los Universe Zero, referencia clásica del prog belga, y caracterizados por su estilo de rock de cámara, pero sobre todo por la densidad de su música que les ha hecho ganar el apelativo de “oscuros”. Magdalena Solis es como los Universe Zero en viaje psicotrópico.
Con muchas referencias mitológicas, basta leer algunos títulos: “Seven Boys and Seven Girls”, “Journey of the Sleeping Giant”¸ “Klara has a vision”. Viñetas alucinatorias pobladas de belleza siniestra ¿Hay que recordar acaso que el nombre de la banda está inspirado en la figura de una asesina en serie y líder de una secta mexicana conocida como la Gran Sacerdotisa de la Sangre? A diferencia de mucha psicodelia que se eleva en nubes inocuas, lo de Magdalena Solis es una exploración de carácter psicológico, un verdadero (bad) trip que a la vez que encanta, perturba. (Luis Alvarado)

Ruido Horrible, entrevista con Sergio Sánchez


En poco tiempo y a costa de un trabajo tan exigente como apasionado, el mexicano Sergio Sánchez ha hecho de la disquera Ruido Horrible un sinónimo para el noise hecho en México. Sobre el sello y algunas cuestiones inherentes al desarrollo de los circuitos de noise en Latinoamérica, entre otras cosas, es que trata la siguiente entrevista.



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    Cuéntame un poco como es la tradición de noise en México. No conozco muchos antecedentes pero tengo la impresión que hay mucha cultura de música gótica y techno industrial, al menos lo noto por la cantidad de grupos de dichos estilos que han ido a México. ¿Cómo así es que nace Ruido Horrible?, que es un proyecto musical, un sello y también un blog de comentarios de discos.


    En realidad no existe una gran tradición de noise en México. Como bien dices, durante los noventas se dio una gran apertura a la música gótica e industrial, con la cual surgieron bandas que llegaron a bordear en el género, como La Función de Repulsa, Encefálisis u Oxomaxoma. Pero las bandas y los artistas de noise -propiamente- no llegarían sino mucho después, y casi todos los primeros exponentes tendrían una afiliación académica sumamente marcada, o llegarían al noise de manera indirecta (a través de la experimentación electrónica, la improvisación libre, el free jazz, etc.).
    Ruido Horrible no surge realmente del contacto con estas escenas sino a partir de una situación estrictamente personal, en la cual se busca dar difusión a artistas que me interesan sin importar su lugar de procedencia. Se trata más de la exploración de una variedad de ideales sonoros que de la difusión de localismos en cualquiera de las facetas de r.h. (como blog, disquera o gestora de eventos de música experimental).


    Las ediciones de tus discos son muy cuidadas. El arte de las tapas me recuerda muchísimo algunas tapas de Nurse With Wound. En tu caso, hay cierta parquedad en el uso de colores y un marcado gusto por las imágenes siniestras/abstractas. Podrías decirme con qué sellos te sientes identificado o cuales han sido influyentes para ti, viejos y nuevos?

    Hace algunos años colaboré con un cine club y por azares del destino quedé encargado del departamento de impresión. Se trataba de una tarea difícil -sobre todo para un primerizo-, ya que se tenían que producir carteles que fueran atractivos y sencillos al mismo tiempo. Después de varios desastrosos intentos, le agarré el modo y aprendí que trabajar con limitantes (i.e. el empleo de una sola tinta, o de imágenes altamente contrastadas) puede llevar a resultados sorprendentemente buenos.
    En r.h. nos enfrentamos a situaciones similares, aunque, gracias a esas experiencias pasadas, ahora supimos confrontarlas de mejor modo: mi trabajo en el cineclub es un exacto reflejo de los diseños de la disquera. Por otra parte, desde que recuerdo he coleccionado discos, así que sé reconocer material adecuado para el arte de un álbum con mucha facilidad, casi naturalmente.* Mis influencias en la cuestión del diseño de las discográficas son demasiadas para mencionarlas a todas, y van desde las alucinantes portadas de bandas de kosmische musik como Floh de Cologne o Ash Ra Tempel hasta el arte de disqueras como la desconcertante y fascinante Agents of Chaos o la sobria Time-Lag pasando por la simplicidad y sobriedad de las cintas clásicas de Callow God o Broken Flag. Creo que el arte de un álbum es extremadamente importante y que sin uno adecuado el trabajo siempre adolecerá, sin importar que tan bueno sea el disco.

    *Cabe aclarar que algunas bandas me han enviado el arte que desean (Le Scrambled Debutante, Fat Legs, Rubbish, Kriminaaliset Metsänhaltijat por ejemplo) y en esos casos mi labor se ha limitado a ajustarlo al formato que manejo.

    En los orígenes de ruido horrible, las influencias inmediatas en cuanto a la ética de selección de trabajos de la disquera provinieron mayormente de disqueras como X Died Enroute Y, Chondritic Sound, Tapeworm Tapes, Time-Lag, Callow God, etc., en cuanto a que r.h. no se trata de una disquera que meramente sirva como órgano de distribución para mis propios proyectos o los de mis amigos, sino que además se convierta en un reflejo de la exploración del trabajo sonoro que se realiza hoy en día, sin importar que se trate necesariamente de artistas reconocidos.
    Siento que disqueras más recientes como Fragment Factory, Myiasis Tapes, Agharta Tapes, Anathema Sound y R.O.N.F. Records poseen un espíritu similar al de r.h. y, por supuesto, r.h. posee vínculos muy fuertes con la familia experimental underground latinoamericana. Disqueras como Aloardi, Sonora, kiddieriot, A.M.P., Genital Productions, Hacked Tapes, la desaparecida Bizarre Audio Arts, Latinoise y A.C.S. son constante fuente de inspiración (además de éstos, en estos momentos me parece que el trabajo de disqueras como SNSE, Blossoming Noise, Troniks, Gnarled Forest, Pica Disc, Agents of Chaos y Phage Tapes es notable).

    Últimamente se produce mucha música experimental, y han proliferado los sellos, casi se han multiplicado en los últimos tres años. Esto en buena a cuenta a la facilidad de producir discos, copiarlos y moverlos por internet. Ingresar tus datos a Discogs ya significa ocupar un lugar, aun cuando se trate de ediciones de cinco copias. La sobreabundancia ha provocado también una necesidad por distinguirse (y poder vender el material). El retorno del cassette y de lo análogo en general están asociados también. Cómo ves tú ese panorama?

    Lo veo como un problema. Como los criterios de selección no son muy severos en estos días, disqueras y artistas producen con una constancia insufrible. Eso hace que el trabajo de unos cuantos que invierten en producciones más cuidadas pase desapercibido. El formato influye en este tipo de problemática; el hecho de que no se tenga que invertir demasiado para "producir" un "álbum" ha provocado que muchos caigamos en este abismo de desperdicio de plástico y papel.
    Por el contrario, el que los formatos de vinil y cinta estén regresando lo veo como algo positivo debido sobre todo a que su producción implica un mayor compromiso y cuidado: En estos días, la gente que invierte en la producción de un lp no emprende gastos injustificados usualmente.
    Las disqueras tienen la obligación de mostrarle a una generación escéptica que vale la pena invertir en discos, la otra opción es morir.

    Háblame un poco de tu trabajo musical. Veo que has publicado recientemente un álbum como Los Heraldos Negros, también está Amniosis. Qué elementos utilizas para producir tu música y cómo ha ido evolucionando?

    Los Heraldos Negros es un proyecto en el que busco hacer coincidir mis apreciaciones políticas con un quehacer sonoro violento: mi idea es representar el shock que me causan los sucesos aconteciendo en mi pais por un medio igualmente chocante. En lo técnico, es un proyecto que me exige mucha planeación tanto en las presentaciones en vivo como en las grabaciones. En LHN, generalmente procuro ponerme alguna condición compositiva, una suerte de contextualización: por ejemplo, las dos primeras cintas fueron sesiones grabadas totalmente en vivo, sin ayuda de ningún loop o sampleo; el cd en que estoy trabajando actualmente está basado en mayor medida en documentos sonoros relacionados con la llamada "guerra contra el narco" que ocurre en México en estos días, por ello los sonidos están generados mayormente a partir de discursos políticos, emisiones informativas e incluso del audio de videos de narcos. Es un proyecto muy satisfactorio y le auguro un buen futuro, al menos en lo personal.
    Amniosis, por otro lado, es un proyecto más libre y tiende a basar su potencial en la improvisación, en la química del momento. Es un proyecto complicado porque generalmente implica una multidimensionalidad sumamente difícil de controlar. Tocamos generalmente al borde del caos y, por ello mismo, muchas veces le hemos tenido que hacer frente a situaciones nada agradables, pero cuando todo funciona adecuadamente, el sonido se convierte en pura magia y energía. Desde 2008 no hemos grabado nada "en estudio" sino que nos hemos dedicado a tocar en vivo, pero con un poco de suerte y disposición eso habrá de cambiar pronto.

    Para terminar, sientes que se puede hablar de noise en Latinoamérica? O este es únicamente una extensión del noise que viene de Europa, Asia o Estados Unidos? Qué crees tú que distingue al noise en Latinoamérica?

    Yo creo que desde que bandas como Armenia y Cornucopia existen -por mencionar a dos de los más conocidos- ya puede hablarse de una escena de noise latinoamericano que posee una identidad - sin duda confluyente con la de otras locaciones- pero claramente propia. Veo una mayor consistencia con los preceptos genéricos del noise en otros lugares de Latinoamérica que en México, para ser honestos, pero veo con agrado que la escena poco a poco esté creciendo (la escena mexicana, desde mi perspectiva, es más una de bandas poco convencionales que propiamente una de noise).
    El elemento común que veo en el noise latinoamericano es una cierta aridez, como si se tratara de un reflejo de la extraña realidad que se vive en la ciudades de este lado del mundo, un deseo de rompimiento con el bullicio cotidiano para entrar a uno de confección propia, un escape introspectivo.
    Otro elemento en común que hay que subrayar es que en Latinoamérica -probablemente más que en muchos otros lugares del orbe- presentar noise sigue siendo una verdadera batalla solitaria contra los cánones y las mentes cerradas. El noise en Latinoamérica sigue siendo inaceptado, una cosa de locos, por lo cual cada presentación sigue poseyendo un cierto aire de batalla contra el sistema, una breve muestra de radicalidad (Luis Alvarado).

Entrevista con Ernesto Bohórquez de Animal Machine



El peruano radicado en Polonia (y ahora en Londres), Ernesto Bohorquez, es una de las figuras más reconocidas y activas de los circuitos del harsh noise europeo. Su dilatada carrera está reflejada en las decenas de producciones editadas con sellos de diversas partes del mundo, así como también con el suyo propio KIF Recordings. Su incansable trabajo ha dado como fruto su primera producción en formato vinilo, se trata de su "Disposable Masochrist Doll" publicado de manera independiente. Conversamos brevemente con él


Tus inicios en la música se encuentran, hasta donde tengo entendido, en SdH, una banda de hardcore. ¿Cuánto crees que ha influido el hardcore en la música que haces en la actualidad?, ¿Cuánto toma de ella y cuánto se distancia?

Mi música en la actualidad es aun hardcore, sólo que suena diferente, las raíces son todo.

Me parece por los videos que he visto de tus performances que últimamente utilizas más sistema analógico, pedales sobre todo. Hay toda una tendencia de retorno a lo analógico, incluso en la vuelta del casette y del vinilo. ¿Cómo ves tú ese panorama en el noise?

Hay mucha desinformación, en cuanto a creación no debe haber parámetros. Utilizo diferentes tipos de instrumentos en algunos trabajos mi sonido es más sucio y da la sensación de un sonido real (muchos llaman a esto analógico) pero el hecho de utilizar sintetizadores te hace parte del mundo digital, así que lo analógico “teóricamente” está perdido.
Desde que comencé a usar sintetizadores y pedales mi trabajo es improvisación viva, no laptoping, sin embargo no descarto el uso de computadora para quienes no pueden adquirir instrumentos o ven facilidades en el empleo de software pero definitivamente no es el camino que busco.
Sobre el retorno a lo analógico, musicalmente todo está dividido. Compositores digitales y analógicos. Con la fiebre digital y sus tendencias de arte barato en internet siempre habrán críticas en cuanto a creación musical, ya que muchos se basan en el adulteramiento y deformación. La música está muerta, todos nosotros la matamos, es fácil ripear un cd y dejárselo a los buitres como banquete, ya se ve lo del retorno del cassette y vinyl primeramente como búsqueda de protección, aunque igual no ofrece seguridad total, para los piratas no hay límites. Otros buscan estos formatos por sonido, nostalgia, presentación y fetichismo.





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    Tienes una variedad de proyectos musicales. Aunque quizá Animal Machine y Teknocanibaal sean los que cuentan con más producciones. Si bien entiendo que hay diferencias entre las propuestas básicamente te mueves en el circuito del noise. ¿Es un mundo en el que te sientes cómodo?

    Si podría decirse noise, pero no totalmente, más que todo dentro de lo industrial y experimental. No hay segregación por mi parte, puedo compartir stage con cualquier tipo de propuesta. Me siento cómodo en mi propio mundo, ninguna escena puede darte plena comodidad, uno está solo en esto, todo el mundo trata de sobrevivir esta racha artística.
    Músicos, pintores, escultores, poetas...soñadores libres, enamorados de libertades y envenenados por el ego. Hay mucha tristeza en el mundo artístico.

    Háblame un poco sobre tu trabajo con Kif Recordings, produces mucho material, como es característico en estos géneros, a tus ediciones les agregas objetos también. Cómo te ha estado yendo con KIF y cómo ves el mundo de las DIY labels en la actualidad, sobre todo las que se orientan al noise.

    Comencé con compilaciones, me gusta mucho eso, ver diferentes formas de expresión y colores en música. Saqué mucho material al comienzo con géneros variados. Pero hubo un momento en que decidí parar, prácticamente me aburrió ese mundo frívolo. Es tan fácil sacar fotocopias y quemar cd-rs...hazlo tu mismo!

    Ahora prefiero dedicarme a lo mío y me va bien, por otro lado busco proyectos que realmente están trabajando, no hay dinero para apostar por todo el mundo.
    Sobre las DIY labels, muchas están desapareciendo. Allí están los net labels favoreciendo el conformismo! Todo desde el calor de tu hogar, también ten éxito echado en tu cama no salgas a trabajar para qué?...eso es estupidez!
    Todo lo que uno gana es en base a esfuerzo y perseverancia...si estás rendido desde que comienzas estás muerto.

    Para terminar, qué nuevos proyectos tienes y cómo definirías el espíritu detrás de Animal Machine?

    Creo que no terminaré de crear, cada álbum es un nuevo proyecto, algunas colaboraciones por allí con amigos y más por nacer. ...¿es necesario filosofar mucho para entender esta jodida música?

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    Discografía Selecta

    Animal Machine (2007) / Swamps Up Nostrils / Aatmaa – Destroy All Artifacts (Krakilsk - Norway)CD-R
    Animal Machine (2008) – Homo Homini Lupus (Kifrecording - Poland)CD-R
    Animal Machine (2008) – Liberation Through Sound ( Tape Rape Records - Norway) Cassette
    Animal Machine (2008) / Null/Void – The Eye Of God ( Idrone Park - Ireland)CD-R
    Animal Machine (2008) – We Only Know In Theory ( Ambolthue - Norway)CD-R
    Animal Machine (2008) – Nuclear Carnage (Kifrecording - Poland)CD-R
    Sist En 343 vs. Animal Machine (2008) – Sex Noise Demanufacture ( Symbolic Prod - France)CD-R
    Animal Machine (2009) – Construction Through Destruction (Kifrecording - Poland)CD-R
    Animal Machine (2009) – Live At Tuzrakter (Kifrecording - Poland)CD-R
    Animal Machine (2009) / h8 no.3* – Terrorism For The Spiritual Release(Kifrecording - Poland)CD-R
    Animal Machine (2010) & DMAH – Sangre, Tierra Y Oro (Collaboration) ( Vomit Bucket Productions - Germany)CD-R
    Animal Machine (2010) – To Reflect Harsher , More Aggressive Vagina ( Smell The Stench - Australia ,Fucktron Records - U.S.A.) Cassette
    Animal Machine (2010) – Defleshed Technology (Invaginity -Europe) (MP3)
    Animal Machine (2010) / Liquidarlo Celuloide (Buh Records-Perú) CD-R
    Animal Machine (2011) – Slave Machinery ( Nagrania Brutalnie Domowy -Poland)(CD-R)
    Animal Machine (2010) – Live In Toulouse (Sodoma Record - Japan)MCD-R
    Animal Machine (2011) – Disposable Masochrist Doll (Self Released)12" Vinyl
    Animal Machine (2011) & Napalmed "Vegetable Music For Carnivorous People"(Kifrecording (Poland) CD-R

Noise vs Arte Sonoro y el triunfo de la performance

En el mes de abril fuimos invitados varios poetas a un conversatorio sobre poesía sonora y performance. El evento se llevó a cabo en un bar miraflorino. Sin querer, lo que en principio estaba programado como un conversatorio se convirtió en una muestra de performances. Para sorpresa nuestra el evento se había pactado a una hora de mucha concurrencia. Pero había mucha gente que había ido sin saber que estaríamos allí y conversaban alzando la voz, lo que hacía difícil captar la atención, a eso se sumó la poca ayuda de un raquítico equipo de sonido que teníamos a disposición. Para superar los problemas, uno de los poetas, Frido Martín, decidió interrumpir sobre la zona del bullicio, usando un megáfono que había llevado, se acercó hacia las mesas e inundó con su voz todo el bar. Logró así captar la atención del público. La performance de Frido fue extraordinaria. Sin embargo muchas preguntas vinieron a mí en ese momento.



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    Recordaba un documental realizado por el ruidista Gabriel Castillo, en donde uno de sus entrevistados, si mal no recuerdo el arequipeño José María Málaga, del proyecto Fiorella 16, decía que buscaba que los conciertos de noise sean como un concierto de rock, en cuanto a la relación que pueden provocar con el público. Ya en conversaciones previas con Castillo había percibido la misma opinión: el sonido se manifiesta en todo su esplendor cuando está libre de las normas sonoras, ideológicas que imponen los anquilosados centros culturales. Esta opinión es compartida por muchos otros ruidistas en Perú. Pero también en muchas otras partes del mundo. ¿Existe un espacio ideal de concierto para el noise y para el arte sonoro, puede ser el mismo? Es en esto en donde se concentra este artículo, sabemos que existe una diferencia entre los que hacen noise y establecen su horizonte dentro de ese circuito y los que afiliados a la tecnocracia de muchas instituciones se dedican al arte sonoro.
    Hace poco un amigo hizo una performance sonora en un Centro Cultural limeño que le impidió a último momento presentar una video proyección donde se veía una autopsia. De otro lado basta ver las portadas de mucho sellos de power electronics e industrial noise para saber que resulta imposible imaginarse a esos artistas en un Centro Cultural, pues hay allí ciertas formalidades que hay que cumplir. Esto trae consigo implicancias complejas. Pero antes vayamos un poco atrás.

    La arcada eufórica

    Si hay una genealogía que resulta plausible es aquella que Greill Marcus estableció en su famoso Rastros de Carmín: hay una historia secreta que conecta el dadaísmo con el punk. Y creo hay otra que conecta al punk con el noise. Si bien el noise tiene diversos antecedentes no ha sido sino con el surgimiento de la música industrial (NON, Throbbing Gristle, SPK, Whitehouse) que pudo establecer una dirección clara que luego en los 80s los japoneses, alimentados por diversas tradiciones (desde el free jazz a la psicodelia), los italianos (Maurizio Bianchi sobre todo) y la posterior camada del power electronics con la inglesa Broken Flag a la cabeza supieron terminar de definir: el noise no era únicamente un sonido disonante, pues aquello ya estaba presente en la música contemporánea, sino una experiencia del sonido producido con desencanto y visceralidad, y la mayor de las veces una legitimación de la espontaneidad (a la manera de la improvisación libre) en la distopía. Parafraseando un célebre trabajo de los peruanos Esperpento, se trata de una “Arcada eufórica”. Esa actitud se ha mantenido hasta hoy en que desde diferentes flancos (los influidos por el grindcore noise por ejemplo) continúan bajo esa singular forma de trabajo.
    El mundo del arte sonoro por su parte es receptivo a todo tipo de experiencias sónicas, sin embargo queda claro que se diferencia nítidamente del mundo del noise en su necesidad de establecer “proyectos”, trabajos a largo plazo, propuestas por escrito. El arte sonoro tiene un origen en las vanguardias históricas, el futurismo concretamente. Debido a su naturaleza experimental con la tecnología, las instituciones regidas bajo políticas desarrollistas y tecnócratas han sabido cobijar desde sus orígenes a este tipo de proyectos pues encarnan el ideal de progreso tecnológico asociado al arte. Vanguardia artística que es también vanguardia institucional.
    Las cosas sin embargo no son tan sencillas y hay muchos matices, muchos artistas que se mueven por igual en ambos terrenos y algunos que encarnan una zona intermedia entre ambos mundos. Pero si bien hay puntos de contacto creo que es más claro ver una línea que los diferencia. Que quede claro, tampoco es el propósito de este artículo provocar oposiciones sino únicamente encontrar una salida a esa dicotomía noise / arte sonoro.
    Una diferencia que resulta evidente entre uno y otro universo tiene que ver con las formas de producción: mientras que los artistas de noise publican cassettes, vinilos, tienen zines, camisetas, parches y todo el merch posible, propio de una subcultura establecida, el mundo del arte sonoro apenas si se conforma con conservar un afiche y más bien pelear un auspicio para un catálogo, sus fuentes de ingreso vienen de las residencias artísticas y el sistema de financiamientos con proyectos en donde el papel a veces lo soporta todo.
    ¿Cómo explicar que artistas como el ecuatoriano Armenia publiquen discos llamados “El arte a muerto” o “Superhipsters”? Solo es posible entender eso si hacemos conciencia de las diferencias entre uno y otro universo.

    El triunfo del ruido

    Hay aquí sin embargo un aspecto paradójico. Vuelvo a la anécdota del recital y al gesto del poeta Frido Martín de interpelar al público para salir victorioso. Pues si hay algo que ha triunfado y que triunfa es el ruido. Por encima de todo, el aburrimiento se ha convertido en el mejor sinónimo de la intelectualidad. Pero, y esto es lo trágico, quienes abogan por esa libertad ruidista al final se encuentran dentro de la misma trampa. El capitalismo termina devorando todas las opciones y no hay performance que pueda escapar de la estridencia sin sacrificar la posible atención. Los espacios como bares o locales de conciertos habituales del mundo del rock, privilegian el espectáculo y hacen imposible la permanencia de un show “aburrido”. Ocurre lo mismo con los llamados espacios alternativos. Vivimos tan sumergidos en estímulos sonoros y auditivos que es un reto el conseguir la atención. Basta caminar un rato por el centro de la ciudad para sentir cómo los códigos sonoros de los vendedores son importantes para vencer en la masa de ruido que a diario se establece allí, los claxons que suenan cada 5 segundos para ganar la delantera. Esos mismos códigos podemos encontrarlos en los conciertos de noise. La interpelación al público no puede escapar a otra posibilidad que no sea la del ruido. Y de ahí que los Centros Culturales finalmente se conviertan en oasis en donde cualquier artista, con público o sin público puede dar rienda suelta a otro tipo de caprichos, aquellos que están fuera de los márgenes de la estridencia, a ese tipo de experiencias que nuestra percepción atrofiada reduce al ámbito de lo intelectual o lo aburrido. Ese es el panorama, al menos como se vive en Lima. ¿Será posible que podamos vencer esa dicotomía noise / arte sonoro? Para lograrlo la interpelación debe conseguirse con vías no definibles únicamente por el grosor del sonido, sino, creo yo, por el temperamento del artista. Lo verdaderamente revolucionario tiene una forma inesperada. El choque está en nuestras convicciones. (Luis Alvarado)